[La Cadette - Beaux-Arts] J'aime le livre d'Art 2021

  • Contempler, errer, tracer, apparaître, hanter... En cinq chapitres et plus de 180 images, ce livre dessine une géographie sensible du Japon : on y parle de l'impermanence des choses (wabi sabi), de la beauté cachée du monde (yûgen), de la pénombre qui dissimule tout autant qu'elle dévoile ou encore du souvenir de contes anciens. Autant de thèmes chers à l'esthétique japonaise, ici révélés par les oeuvres des maîtres (Kitagawa Utamaro, Suzuki Harunobu...), ou encore celles d'artistes contemporains comme Takesada Matsutani ou Toko Shinoda.

    Dessins à l'encre de Chine, peintures sur rouleaux, estampes, lithographies, photographies se succèdent en une promenade visuelle propice à la rêverie. De courts textes explicatifs, des haïku, des extraits littéraires soigneusement choisis les accompagnent et éclairent les notions esthétiques, concepts philosophiques et oeuvres emblématiques. Un livre pensé comme un dictionnaire amoureux où chaque image, chaque texte est une rencontre au coeur de l'âme japonaise.

  • Cette histoire de l'art originale, remplie d'anecdotes, peut se lire à la maison, à l'école comme au musée. Racontez l'art ! invite jeunes parents, grands-parents et enseignants à entrer dans la grande histoire de l'art par le petit bout de la lorgnette. Anecdotes et analyses sont centrées autour d'un artiste, d'un mouvement ou d'un événement, classés chronologiquement et géographiquement, exactement comme au musée.
    Une frise chronologique permet de situer le contexte historique des oeuvres et une liste des oeuvres, classées par musée, permet d'organiser sa visite.
    Racontez l'art ! est l'ouvrage essentiel qu'il faut avoir en main pour transmettre aux plus jeunes le savoir, mais aussi le plaisir que procure la découverte des oeuvres.

    Ce premier volume est consacré à l'art de la Renaissance à l'Art nouveau.

  • Jheronimus Bosch

    Marco Bussagli

    Une référence pour appréhender les oeuvres du peintre Jheronimus Bosch.

    Le peintre Jheronimus Bosch, dit Jérôme Bosch (vers 1450-1516), est l'une des grandes figures du mouvement des primitifs flamands. La renommée de ses compositions, où se mêlent enfer et paradis, satirique et morale, a dépassé les frontières de son pays dès son vivant. Pour autant sa biographie reste imprécise, au point que le caractère fantastique de ses tableaux a donné naissance à nombre de théories ou d'interprétations, souvent infondées.

    S'appuyant sur les travaux scientifiques et techniques les plus récents, ce livre de Marco Bussagli apporte un éclairage nouveau sur le peintre. Il guide et permet de mieux appréhender l'oeuvre de Bosch qui regorge de détails, de symboles et d'êtres fantastiques. On y apprend que des images, apparemment hermétiques à toute compréhension, s'inspirent de proverbes flamands et témoignent de la profonde dévotion religieuse du peintre. Loin de l'étiquette du peintre maudit ou hérétique, on y découvre un artiste très proche de la confrérie oecuménique à laquelle il appartenait. Cet essai illustré présente aussi des aspects inédits, en particulier l'influence de Bosch sur de nombreux peintres, de Raphaël à Escher, en passant par Magritte ou Dalí. En regard des reproductions de ses oeuvres, des détails très agrandis et commentés mettent en évidence de nombreux aspects qui n'avaient jusque là jamais été traités.

  • Nadar, Cartier-Bresson, Brassaï, Helmut Newton, Man Ray, Willy Ronnis, Robert Doisneau, Diane Arbus, Mario Giacomelli, Robert Franck, William Klein, Daido Moriyama, Valérie Belin... Les grands noms de la photographie française et internationale sont réunis dans ce somptueux ouvrage qui embrasse 150 ans d'histoire de la photographie noir et blanc.

  • Ce fabuleux ouvrage conduit le lecteur dans un voyage à travers les continents et les cultures pour découvrir les innombrables façons dont les artistes de tous horizons ont interprété les fleurs à travers les époques. Présentant la diversité des fleurs du monde entier, Fleurs couvre un large éventail de styles et de techniques : de l'art aux illustrations botaniques, des sculptures aux compositions florales, aux photos de films et aux textiles. Les oeuvres sont judicieusement assemblées par paires pour créer des juxtapositions stimulant la curiosité.
    - Destiné à un large public d'amateurs de fleurs, fleuristes, jardiniers, botanistes mais aussi aux curieux, aux artistes, aux designers et aux historiens de l'art, Fleurs offre une introduction complète au sujet ainsi que des exemples surprenants et d'autres moins connus, même pour les spécialistes Inclut notamment des oeuvres emblématiques réalisées par des artistes de renommée internationale tels que Cecil Beaton, Rachel Ruysch, Horst P. Horst, Claude Monet, Georg Ehret, Georgia O'Keeffe, William Morris, Nick Knight, Léonard de Vinci, Hayao Miyazaki, David Hockney, Araki Nobuyoshi, Pierre-Joseph Redouté et Cedric Morris. Les reproductions des oeuvres en grand format sont accompagnées de textes documentés, introduits par un texte d'Anna Pavord, l'auteure de La Tulipe et complétés en fin d'ouvrage par un glossaire, une chronologie illustrée et des biographies. Les entrées ont été sélectionnées par un jury international composé entre autres d'historiens de l'art, de conservateurs de musées, de botanistes, de fleuristes et d'horticulteurs. Un cadeau idéal dans la lignées de l'ouvrage à succès de la même collection, Végétal : Explorer le monde botanique.

  • Au cours des années 1990 et 2000, Raymond Depardon sillonne la France paysanne avec sa chambre photographique 6 x 9. De cette exploration du monde rural, il réalise des photographies en noir et blanc qui racontent la terre, les hommes, le travail manuel, l'isolement et la fragilité des petites exploitations agricoles mais aussi la beauté des paysages français.  

  • 26 avril 1986. La catastrophe de Tchernobyl détruit en quelques heures bon nombre de vies, une ville, des villages, une région. C'est un désastre à la fois écologique et humain, qui restera gravé dans la mémoire collective et dont les cicatrices mettront plus de neuf cents ans pour, peut-être, disparaître.

    À travers une introduction richement illustrée d'infographies et de photographies d'époque, ce livre fait la lumière, pour la première fois, sur la ville utopiste de Pripyat et le complexe de Tchernobyl, l'accident fatal et les tentatives pour contenir le drame.
    Des cartes détaillées de la zone permettent d'explorer la ville, ses infrastructures, ses habitations ainsi que les villages alentour.
    Des photographies d'archive viennent mettre en regard le présent et le passé, comme autant d'instantanés, de fragments de vie des hommes et des femmes qui vivaient là, autrefois.

    Laurent Michelot, photographe passionné, explore à travers 150 photographies inédites, ces lieux aujourd'hui abandonnés.

  • « On descend tous de Méliès ! » Martin Scorsese

  • Une fabuleuse somme collective, un livre manifeste, un ouvrage de référence : telle est l'ambition de cet ouvrage co-construit par 160 autrices du monde entier qui présentent 300 femmes photographes, de l'invention du médium aux années 2000. Ainsi les portraits de chaque photographe ont été rédigés par des femmes de toute nationalité pour se prémunir de l'écueil d'un regard "occidentalo-centré". Les séquences de portraits alternent avec des portfolios qui font dialoguer les oeuvres entre elles.

  • Un panorama exceptionnel de la photographie contemporaine africaine : 51 artistes, 300 photos. Loin d'une vision occidentale de l'Afrique lourde de stéréotypes, ce livre permet la découverte d'une scène extrêmement dynamique à travers 51 regards acérés sur les enjeux contemporains sociétaux, culturels, politiques et écologiques. Exposition aux Rencontres d'Arles du 29/06 au 22/09.

  • Ce projet d'exposition, centrée sur l'art de la sculptures , mais en confrontation avec des oeuvres d'autres domaines (peintures, arts graphiques), cherche à dégager les principaux thèmes et lignes de force qui cheminent dans toute l'Italie durant la seconde moitié du Quattrocento pour déboucher, dans les deux premières décennies du XVIe siècle, à un moment d'apogée de la sculpture de la Renaissance avec l'un des plus grands créateurs de l'histoire, Michel-Ange. Cette grande synthèse s'inscrit dans la suite de l'exposition Le Printemps de la Renaissance qui s'était donné pour but d'explorer l'histoire de la sculpture florentine de la première Renaissance de 1400 à 1460. S'agissant de la seconde moitié du Quattrocento, la sculpture florentine, qui s'était imposée comme la référence artistique majeure à travers la Renaissance de la statuaire, voit son rôle se modifier dans un paysage artistique italien plus large et plus complexe. Mais la sculpture conserve néanmoins son exemplarité dans la conception de la volumétrie, du mouvement et des émotions, gardant toute son ambition face aux extraordinaires conquêtes de la peinture. L'intérêt des sculpteurs se fixe sur l'interprétation de l'être humain, tant dans son apparence extérieure, le corps et ses mouvements, que dans ses sentiments intimes qu'ils cherchent à pénétrer et à exprimer. La représentation de la figure humaine dans la diversité de ses mouvements tant intérieurs qu'extérieurs prend alors, en trois dimensions, des formes extrêmement novatrices. Ces recherches sur l'expression et les sentiments de la figure humaine sont au coeur des démarches des plus grands sculpteurs de la période, depuis Donatello jusqu'à Michel-Ange. La fureur et la grâce du corps constituent le premier thème traité dans le parcours. L'intérêt pour les compositions complexes et pour l'exaspération des mouvements du corps prend une place majeure à travers toute une série d'oeuvres d'Antonio del Pollaiolo, Francesco di Giorgio Martini ou Bertoldo, mettant en jeu tant la complexité de la force et des torsions du corps masculin que l'effet expressif des plus intenses passions de l'âme, à l'exemple des bas-reliefs antiques. Emouvoir et convaincre : à la suite du travail de Donatello autour de 1450, l'émotion et les mouvements de l'âme prennent place au coeur des pratiques artistiques, dans une volonté affirmée de toucher violemment l'âme du spectateur. C'est alors un véritable théâtre des sentiments qui se déploient en Italie du nord entre 1450 et 1520 en particulier dans les groupes de Déposition du Christ, tels ceux de Guido Mazzoni. De Dionysos à Apollon : entre la fin du Quattrocento et le début du Cinquecento, la réflexion inépuisable sur l'Antiquité classique s'exprime dans les oeuvres élaborés à partir des grands modèles classiques comme le Tireur d'épine ou le Laocoon. La sculpture développe la recherche d'une nouvelle harmonie qui transcende le naturalisme des gestes et des sentiments extrêmes. À partir de la fin du siècle, c'est à Michel-Ange qu'il revient d'aboutir à une synthèse formelle qui intègre à la fois la connaissance scientifique des corps, un idéal absolu de beauté et la volonté de dépasser la nature par l'art, selon un parcours qui après le classicisme olympique du Christ de la Minerve, le 'titanisme' des Esclaves du Louvre, parviendra jusqu'à l'ineffable et au sublime dans la Piéta de Milan.

  • Ce livre révèle au grand public comme aux spécialistes l'ampleur exceptionnelle et la qualité de la collection de dessins du musée des Arts décoratifs à Paris.
    Constituée dès la fondation de l'institution en 1864, cette collection comprend des dessins de maîtres isolés, sans lien apparent avec les arts décoratifs, comme Watteau, Boucher, Prud'hon, Ingres, Delacroix, Degas et Rodin ou, pour l'Italie, Parmigianino, Nicolo dell'Abate et Vasari.

  • À l'occasion du 150e anniversaire d'Henri Matisse, le Centre Pompidou rend hommage à l'un des plus importants artiste du XXe siècle à travers l'exposition « Matisse, comme un roman. » Avec plus de 200 oeuvres et documents provenant autant de la riche collection matissienne du Musée national d'art moderne que de grandes collections nationales et internationales, cette exposition retrace la carrière de l'artiste selon un parcours chronologique, de ses débuts vers 1890 au contact des maîtres pendant lesquels il élabore progressivement son propre langage pictural, jusqu'au début des années 1950.

    Le catalogue de l'exposition emprunte les codes de l'édition d'Henri Matisse, roman de Louis Aragon, et se déploie autour de cinq essais et d'une ample chronologie / anthologie illustrée et enrichie de nombreuses citations et documents inédits, afin de « bâtir le roman » du peintre Matisse et de son oeuvre, à la manière d'une biographie. La monographie est complétée par un petit cahier de reproductions de la revue Verve à laquelle l'artiste a activement contribué.

  • Louis Benech est venu au jardin par amour des plantes. Après des études de droit, il part travailler en Angleterre comme ouvrier horticole dans les célèbres pépinières Hillier. Passionné par ce qu'il y apprend, il rentre en France et devient jardinier dans une propriété privée de Normandie. En 1985, il entame sa carrière de paysagiste. Cinq ans plus tard, il est chargé, avec Pascal Cribier et François Roubaud, du réaménagement de la partie ancienne du jardin des Tuileries.
    Il est lancé. Depuis, il a conçu et réalisé plus de 400 projets, publics et privés. De la Corée au Panama, au Canada, aux Etats-Unis, en Grèce ou au Maroc. Travaillant essentiellement pour des particuliers, il a également eu comme commanditaires de grandes entreprises telles qu'Axa, Hermès ou Suez. Il a aussi travaillé sur de nombreux jardins établis comme les jardins de l'Elysée, du Quai d'Orsay, le Palais d'Achilleion à Corfou, le domaine de Chaumont-sur-Loire.
    On lui a aussi récemment confié la promenade paysagère du quadrilatère des Archives Nationales à Paris et a réalisé pour le Château de Versailles l'aménagement paysager du Bosquet du Théâtre d'Eau. Pour chacune de ses réalisations Louis Benech s'attache à créer une véritable harmonie entre le projet paysager et l'environnement architectural ou naturel du site. Idéalement, il souhaiterait qu'on ne devine pas qu'il y est intervenu...
    Une attention particulière est portée sur la façon la plus économique de garantir la pérennité de ses jardins. L'éditeur et le journaliste Eric Jansen ont imaginé un ouvrage élégant et accessible afin de rendre compte de ce travail tout en délicatesse.

  • Cet ouvrage monographique, édité à l'occasion de l'exposition du FHEL, se propose de présenter l'oeuvre d'Enki Bilal de ses débuts dans la Bande dessinée jusqu'à aujourd'hui à travers un ensemble de ses dessins, illustrations, affiches, peintures, films et écrits.
    Plusieurs thèmes s'en dégagent : personnages malmenés et inquiétants, décor de la ville ruinée, importance des machines, promiscuité avec les animaux, violence et angoisse devant le pire qui est advenu, difficulté d'aimer, mais aussi espoir.
    Plus de 200 oeuvres, dont certaines inédites, sont reproduites dans cet ouvrage et mises en résonance avec les grands sujets qui parcourent l'histoire de l'art et des oeuvres emblématiques de Bosch, Goya, Doré, Man Ray, etc.
    Avec les contributions inédites d'Enki Bilal, Serge Lemoine et Michel-Edouard Leclerc ce livre témoigne de l'évolution du style d'Enki Bilal et montre l'originalité de sa vision, réaliste et fantastique, et profondément marquée par l'Histoire.

  • Conçu comme un petit « catalogue privé » à côté du catalogue officiel l'ouvrage présente les 20 oeuvres de Pierre Soulages exposées au Louvre entre décembre 2019 et mars 2020 à l'occasion du centenaire de l'artiste.
    Bruno Duborgel nous invite ici à un voyage initiatique pour pénétrer l'oeuvre de Pierre Soulages. Des anciens brous de noix (1946-1949) et goudrons sur verre (1948) à ces « outrenoirs » récents (2019), le parcours artistique de Pierre Soulages décrit un imprévisible chemin d'aventure et de renouvellements et, en même temps, affirme une fidélité rigoureuse à une même quête : celle d'un art dit-il, « qui ne transmet pas de sens, mais fait sens ».
    Riche en évocations poétiques, l'auteur convoque dans cette ballade métaphorique des poètes tels que Stéphane Mallarmé, Yves Bonnefoy, René Char, André du Bouchet, etc. Un face à face silencieux et méditatif devant chacune des oeuvres reproduites dans le livre à cette occasion.
    Laissons Pierre Soulages conclure lui-même le propos : « J'ai la conviction que peindre est ce qu'était écrire pour Mallarmé : "une ancienne et très vague mais jalouse pratique dont gît le sens au mystère du coeur." »

  • Le dessin d'architecture constitue un domaine vaste et divers. Les architectes le pratiquent pour acquérir une connaissance intime des édifices et développer leur habileté à les imaginer ; ils l'utilisent comme le support de leurs échanges avec les différents métiers du bâtiment ; ils en font un moyen pour toucher le public et les décideurs, jusqu'à l'élever parfois au rang d'oeuvre d'art.
    Signés par les architectes dessinateurs les plus brillants - de Jacques Androuet du Cerceau à Etienne Louis Boullée, de Gilles Marie Oppenord à Jean Jacques Lequeu, de Charles Percier à Henri Labrouste, d'Eugène Viollet-le-Duc à Charles Garnier - les 150 dessins présentés dans cet ouvrage retracent une histoire de l'architecture française de la Renaissance au dernier XIXe siècle.
    Dans un domaine où le défi majeur consiste à donner à voir un édifice par anticipation, ces dessins témoignent de l'ambition partagée par les architectes d'atteindre un idéal architectural et urbain. Comme le manuscrit de l'écrivain, ils éclairent un processus créatif, avec ses hésitations, ses corrections ou ses reprises. A la différence du texte, ils possèdent toutefois la force et l'autonomie des figures, qui « parlent » à l'oeil de façon immédiate. Ils nous proposent ainsi une expérience à la fois sensible et intellectuelle en exprimant le rapport de leurs auteurs à l'espace, à la matière, à la couleur, à l'intelligence des structures.

  • L'auteur d'une cosmogonie.
    C'est au tournant de notre ère, à Rome, qu'Ovide (43 av. J.-C.-18 ap. J.-C.) compose son chef-d'oeuvre, Les Métamorphoses. Les 91 histoires que nous avons sélectionnées parmi les plus belles et les plus puissantes dessinent le récit de l'univers, du chaos à l'harmonie en passant par de poétiques métamorphoses.

    La traduction.
    Publiée en 1927 et revue en 1992 par Jean-Pierre Néraudau, spécialiste d'Ovide, la traduction de Georges Lafaye retranscrit la poésie et la beauté qui se dégagent des Métamorphoses tout en restant très fidèle à l'esprit d'Ovide.

    L'iconographie.
    Depuis l'Antiquité, le poème d'Ovide inspire les artistes. Mais ce sont les peintres baroques qui se sont emparé des Métamorphoses avec la plus belle vivacité. Au x???? siècle, les dieux païens n'inquiètent plus l'Église, ils appartiennent au monde du mythe. Dès lors, les artistes s'inspirent du texte exaltant d'Ovide pour créer des oeuvres d'une extraordinaire puissance narrative. 180 peintures de 100 artistes de l'Europe baroque - parmi lesquels Carrache, Caravage, Luca Giordano, Nicolas Poussin, Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens ou Jusepe Ribera -, dialoguent ainsi avec le texte d'Ovide.

  • Depuis la préhistoire, avec l'apparition des venus hottentotes, la femme a été le centre et le support de tous les fantasmes. Déesse ou putain, vierge ou sorcière, virago ou odalisque, elle a été mise en scène, allumée, surexposée : son corps, toutes les parties de son corps, et son visage, à travers un regard essentiellement masculin.
    La première partie de cet ouvrage - La femme regardée - va jusqu'au moment où Courbet et Manet vont révolutionner le regard, la seconde - Les femmes qui nous regardent - jusqu'aux années 60 et la troisième - Ces femmes qui se regardent - débute avec les années 1970, quand s'est opérée une révolution majeure pour les femmes artistes qui désormais se représentent elles-mêmes. C'est donc aussi à une histoire de l'évolution du statut de la femme que ce livre convie, comme un voyage au Pays de l'émancipation sexuelle et politique, de Camille Claudel à Louise Bourgeois, et de Frida Kahlo à Cindy Sherman.

    "JE SUIS UNE FEMME. TOUT ARTISTE EST UNE FEMME.».
    PICASSO.

  • Après la TOUR PARIS 13 un nouveau projet spectaculaire a vu le jour à Paris où la ligne de métro aérien n°6 traverse désormais un « musée à ciel ouvert », le long du boulevard Vincent Auriol : BOULEVARD PARIS 13 et ses 50 fresques monumentales, réalisées par les plus grands artistes internationaux.
    Les murs de Shepard Fairey, Faile, D*Face, Tristan Eaton, Seth, Roa, Inti, Vhils, C215 ou encore Invader se succèdent ainsi comme dans une galerie géante.
    Ce coffret inédit permet de vivre ou de re-vivre cette expérience unique, à travers un ouvrage richement illustré qui raconte la genèse et le making of du projet, accompagné de 10 planches recto-verso permettant d'accrocher ses murs préférés...chez soi !

  • Plongez dans l'univers extraordinaire du street art africain !
    Dans toute l'Afrique, à coups d'immenses fresques dans les montagnes angolaises, de pochoirs à Nairobi, de calligraf?ti au Caire... les street artistes impriment leur marque d'un bout à l'autre du continent, repoussant les limites du genre, af?rmant avec ?erté leur identité culturelle et soutenant, par un travail souvent très engagé, les communautés locales. Incluant les réalisations de plus de 250 artistes dans 35 pays, une présentation des multiples festivals dédiés à la discipline et donnant la parole à certaines de ses ?gures emblématiques, cet ouvrage vous fait découvrir la diversité des cultures régionales, des scènes locales et des styles et techniques du street art africain. Premier panorama d'ensemble du graf?ti continental, il révèle comment ces artistes, à travers des oeuvres fortement imprégnées de leur histoire et de leur immense talent, insuf?ent un grand renouveau à la production mondiale.

  • Cyrille Putman nous fait découvrir, à travers anecdotes et traits d'humour, les spécificités de plus de 90 artistes modernes et contemporains qu'il a bien souvent côtoyés. Il dédramatise les grands concepts de l'art contemporain en exposant la vie et la création de ces artistes à sa déroutante question : Quelle mouche l'a piqué ? Il écrit ainsi une autre histoire de l'art dans son style vif et incisif dont on ne se lasse pas.
    Cet ouvrage, illustré par les dessins de Lucas Coskun, est un véritable voyage à travers l'art des deux derniers siècles d'Alberto Giacometti à Olafur Eliasson.

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