Depuis la publication du tout premier ouvrage de la série Vitamine P en 2002, la peinture évolue et prend des directions inattendues.
L'émergence de nouvelles générations met en perspective son histoire. Véritable clé de voûte de la pratique artistique, la peinture exerce une attraction permanente et domine le marché de l'art. Vitamine P3 présente plus de 100 artistes d'exception investis dans la peinture et qui cherchent à en repousser les limites.
Attendu par tous les acteurs du marché de l'art, voici le nouvel ouvrage de la collection Vitamine P dont les précédents opus se sont vendus à plusieurs milliers d'exemplaires dans le monde entier.
- Richement illustré avec plus de 400 reproductions, ce livre présente les travaux d'une centaine d'artistes internationaux choisis par un comité de critiques, de conservateurs, de commissaires d'expositions et de créateurs de tendances culturelles venus du monde entier.
- Rédigés par des écrivains, des historiens et des critiques d'art, les textes documentés couvrent un vaste éventail de perspectives. Cerise sur le gâteau, la mise en bouche est signée Barry Schwabsky, un expert reconnu de la peinture contemporaine.
- Un passionnant panorama de la peinture internationale et un ouvrage de référence tout simplement incontournable pour quiconque s'intéresse de près ou de loin à l'univers de l'art.
Une nouvelle monographie rassemble 30 peintures de Pierre Bonnard (1867-1947) provenant de prêts de musées et de collections privées, dont des natures mortes, des nus, des scènes d'intérieur et paysages, dont beaucoup sont publiées ici pour la première fois. Le livre montre comment la modernité de Bonnard a bouleversé l'art de la composition dans la première moitié du XXe siècle, tout en célébrant son incomparable capacité à saisir des moments fugaces, des souvenirs, et des émotions sur la toile.
The fi rst true monograph on the work of celebrated French conceptual artist and sculptor Bernar Venet.
Bernar Venet is one of France's most celebrated living artists. Having emerged from the late 1960s avant-garde scene in New York, Venet developed a personal aesthetic based on an innovative use of mathematics and science, where control, chance, and chaos converge to form a fi ne equilibrium while investigating their relationship with the environment. Conversant in many media, Venet is mostly known for his monumental outdoor sculptures in major cities worldwide and, in fall 19, his Arc Majeur is due for completion at a site in Belgium - at almost 200 feet in height (60 metres), Venet's sculpture will be taller than New York's Statue of Liberty.
Un recueil d'essais consacré à la peinture contemporaine, par l'un des critiques les plus respectés dans le domaine. Schwabsky s'intéresse ici plus particulièrement au rôle du spectateur ainsi qu'à l'apport méthodologique que constituent les catégories de l'abstraction et de la figuration.
"Wylie fearlessly tackles the thorniest topics head-on, committing her thoughts and questions about politics, religion, fame, love, history, money and nature to canvas." - Charlotte Brook, Harper's Bazaar Inspired by film, pop culture, and the history of fashion as she experienced personally, Wylie harnesses a union of high and low culture with a bold technique of mark making. Her unique practice of material overlay and erasure creates fantastic compositions. Creating conceptual tensions between formal and informal aesthetics, Wylie employs the visual elements of text as formal details in her paintings.
With a beautiful swiss binding, this monograph compiles the work of four exhibitions at David Zwirner offering a full breadth of Wylie's most recent work to date. Giving insight and compassion to Wylie's feminist and rebellious impulses, Judith Bernstein writes an accompanying text on how she relates to Wylie's ambitious and playful energy. With a foreword by Nicholas Serota, this publication also features new essays by Barry Schwabsky and David Salle and an enlightening interview between the artist and Hans Ulrich Obrist.
Lafayette Anticipations présente Study for No, la première exposition personnelle en France d'Issy Wood, qui rassemble plus de 60 toiles de la peintre anglaise, pour la plupart inédites. Empruntant son titre à une peinture de 2019, le catalogue suit le fil de l'exposition, qui se déploie autour de la notion de refus et de résistance, explorés au travers de l'obsession de l'artiste pour l'intimité, l'intériorité, le soin, le désir, la féminité, les relations ou encore l'identité. Observatrice du monde contemporain, l'oeuvre de Wood est celle d'un regard amusé, affecté, et parfois déconcerté par les rapports de force qui s'y jouent. Les figures et les scènes qu'elle décline en série sont autant de perspectives et d'allégories sur les jeux de pouvoir qui régissent nos manières d'être au monde, et qu'elle explore au travers de peintures de vestes en cuir hypersexualisés, de rutilants intérieurs de voitures, d'immaculés services de porcelaine, de singuliers portraits d'animaux domestiques, d'envahissants examens dentaires ou d'une multitude d'autoportraits.
L'ensemble de son oeuvre présentée dans le catalogue raconte le refus d'un certain ordre et exprime un malaise face aux systèmes d'oppression, conscients et inconscients, qui régissent les êtres, et particulièrement les plus vulnérables. Le catalogue d'exposition publie un essai du critique d'art Barry Schwabsky, un portrait de l'artiste par Kaitlin Phillips, ainsi qu'un entretien entre Rebecca Lamarche-Vadel et Issy Wood.
Alex Katz first emerged on the New York art scene during the heyday of Abstract Expressionism and before the birth of Pop art, but always worked independently of these movements. Katz is best known for his distinctive portraits of sophisticated, irresistible women, masterfully painted using precise, broad areas of colour. Alongside these unmistakably 'Katzian' female portraits are pictures of men, groups, landscapes and interiors, rendered in paint on canvas or metal cut-outs as well as drawing and collage. All attest to the artist's attention to detail, economy of means and consummate technique.
Larger-than-life paintings such as The Black Dress (1960), Blue Umbrella (1972), Red Coat (1982) and White Visor (2003) have entered the collective consciousness as the epitome of a particular, late twentieth-century feminine ideal. A major touring retrospective was organized by New York's Whitney Museum of American Art in 1986, and Katz has exhibited widely all over the world. His works are in the collections of The Museum of Modern Art, New York; Tate, London; the Musée National d'Art Moderne, Paris; and the Nationalgalerie, Berlin, among many others.
A leading world expert on Katz, distinguished New York art critic Carter Ratcliff writes the definitive, comprehensive Survey, following Katz's work from the 1950s to the present. In the Interview New York-based curator and critic Robert Storr discusses in detail with the artist his practice and technique in the context of a changing art world. Curator Iwona Blazwick enters in her Focus the silent world of Sylvia (1962-63), a classic Katz portrait that resonates with the urban landscape occupied by both artist and sitter. For Artist's Choice Katz has selected nine works by New York School Poets, all of whom share a particular, often personal connection to his work. Artist's Writings range from an early text from 1959 on Katz's dislike of the term 'academy' to a recent text that reflects on his beginnings as an artist. Key interviews with some of the of the twentieth century's most prestigious art figures - including critic David Sylvester and artists Francesco Clemente, Jane Freilicher and Richard Prince - are also included.
Première monographie de la peintre belge d'origine syrienne.
Près des toiles, des pinceaux, des tubes de peinture, d'autres outils envahissent l'atelier de Farah Atassi : ouvrages d'histoire de l'art, revues d'architecture, catalogues d'exposition. Sur la table de travail, des dizaines d'images découpées sont minutieusement ordonnées, classées et annotées pour préparer les tableaux à venir. Partir d'une photographie pour arriver à une peinture, voilà le premier temps du travail de Farah Atassi. L'artiste accomplit de longues recherches qui la mènent souvent sur les traces des avant-gardes européennes des premières décennies du xxe siècle.
Plongeant et puisant dans l'histoire de l'architecture, de la peinture et du design, Farah Atassi s'attache à sélectionner des images qui lui permettront de construire ses intérieurs, car il s'agit là d'un véritable jeu de construction. Des traits au crayon pour placer les objets qui viendront hanter les tableaux, puis un précis quadrillage au scotch pour assurer la systématisation des motifs, qu'elle n'enlèvera qu'à la toute fin, non sans laisser quelques marques de l'adhésif. Le temps est maintenant venu de peindre. Farah Atassi peint des grands formats qui représentent des intérieurs. Des murs suintants, des espaces inhabités, quelques meubles branlants, un carrelage noirci par la saleté, un décor vétuste, quelques traces d'une présence humaine passée. Une ambiance de fin de partie où la ruine menace.
Marjolaine Lévy
Cette monographie présente un ensemble de quelque 70 oeuvres grand format, couvrant trois décennies de production de l'artiste abstrait britannique Ian Davenport, des premières pièces réalisées avec des matériaux industriels dans les années 1980 aux travaux multicolores complexes des dernières années.
Publié à l'occasion de l'expositon éponyme à Dallas Contemporary, en 2018-2019.
Monographie axée autour des deux derniers cycles d'oeuvres du peintre abstrait américain, développés depuis une quinzaine d'années : une série de peintures apparemment monochromes, en réalité des peintures pâles, discrètes et élaborées d'où émergent de subtils signes, traces et marques, et une série résultant d'un long processus de préparation, faisant partie de l'oeuvre elle-même, consistant à effacer lentement, parfois pendant plusieurs mois, tout détail figuratif de la surface des peintures à l'aide de solvants et de chiffons.
Publié suite à l'exposition éponyme à la galerie P420, Bologne, en 2018.
Dappled brushwork, delicate hues and cloisonné textures dance across the surfaces of Cranston's still lives, landscapes and interiors Scottish painter Andrew Cranston (born 1969) creates transporting images that destabilize our sense of time: they invite the viewer to explore a space between nostalgia and the realm of the dream. Dense blots of oil graze on top of washes of distemper, guiding the viewer's eye through thick and thin layers of pigment. The paintings gathered in Waiting for the Bell conjure a state of liminality--the feeling of being suspended in a dream before the alarm jolts one back to reality--and draw from stories, poems and experiences that emerge from the artist's subconscious. Each painting's layering is guided by intuition: a reference to a Carole King album cover is interlaced alongside allusions to jazz history, the writing of Muriel Spark and visions of the Scottish coast.
This substantial volume includes newly commissioned essays by Stephanie Burt and Barry Schwabsky.
Key works from the 50-year career of the great Dansaekhwa abstractionist.
One of the early members of the Dansaekhwa art movement, Suh Seung-Won (born 1941) set the foundations for modernism in Korea. For over 50 years, Seung-Won's delicate monochrome paintings have explored the concept of simultaneity, using geometric patterns to delineate his aesthetic understanding of time and space.
This lavishly illustrated monograph collects selected works from throughout the artist's career, presented here alongside historical photographs from the artist's life and earliest exhibitions. Major new texts from critic Barry Schwabsky and art historian Sohl Lee track the development of Suh's revolutionary aesthetic since the 1960s and its parallels in the development of the artworld and Korean culture during that time.
Suh Seung-Won is an essential look at one of the most vital artists of Korea's modernist movement and the subtly powerful monochrome abstractions that have defined his legacy.
Cette publication immersive est consacrée à la série de peintures développée par l'artiste américain depuis 2015, des « cellules » géométriques aux couleurs vives, qui entrent en dialogue avec la grille structurelle du modernisme classique telle qu'elle est représentée dans le travail de Piet Mondrian, Agnes Martin, Andy Warhol et d'autres, dévoilant l'interaction complexe entre le visuel et le conceptuel et marquant une nouvelle phase dans le travail de Peter Halley.
Publié suite à l'exposition éponyme au Dallas Contemporary en 2021-2022.
" VITAMINE P EST DEVENU L'OUVRAGE DE RÉFÉRENCE EN MATIÈRE DE PEINTURE ACTUELLE ". ART PRESS " LA NOUVELLE PEINTURE DANS TOUS SES ÉTATS ! [...] UN LIVRE TRÈS PRÉCIEUX SUR LES NOUVELLES TENDANCES DE L'ART. " LE NOUVEL OBSERVATEUR. " VITAMINE P ARRIVE À POINT POUR DÉMONTRER QUE LA PEINTURE EST BIEN VIVANTE... ET PLUS PRÉSENTE QUE JAMAIS DANS L'ART CONTEMPORAIN. " L'ART AUJOURD'HUI.
A dynamic overview of the best new contemporary painting from around the world.
The first volume of Vitamin P, published in 2002, inaugurated a vibrant period for painting. Since its publication, a whole new generation of painters has emerged, some inspired by the artists who appeared in that book, others taking cues from new sources. Vitamin P2 introduces this new wave of painters to the world.
The vast medium of painting continues to be a central pillar of artistic practice, and Vitamin P2 presents the outstanding artists who are currently engaging with and pushing the boundaries of the medium. Over 80 international critics, artists and curators have nominated the 115 artists who have made a fresh, unique or innovative contribution to recent painting. All of the artists in Vitamin P2 have recently emerged onto the international scene, and none appeared in the first Vitamin P.
An introduction by Barry Schwabsky, who also wrote the introduction for Vitamin P, provides a broad overview of recent developments in the medium while also looking towards its future.
Since the publication of the first Vitamin P in 2002, painting has continued to evolve and excite, with new generations responding to its historic importance and taking it in unexpected directions. A central pillar of artistic practice, painting also has enduring appeal, dominating the art market. Vitamin P3 takes the conversation forward, spotlighting more than 100 outstanding artists who are engaging with - and pushing the boundaries of - the medium of paint.
- Artists include: Etel Adnan, Michael Armitage, Matt Connors, Genieve Figgis, Helen Johnson, Sanya Kantarovsky, Ella Kruglyanskaya, Oscar Murillo, Imran Qureshi, Nicolas Party, Mary Ramsden, Rosie Wylie.
International experts include: Iwona Blazwick, Benjamin Buchloh, Marlene Dumas, Laura Hoptman, Geeta Kapur, Alex Katz, Tim Marlow, Sarah McCrory, Hans Ulrich Obrist, Beatrix Ruf, Nancy Spector.
Introductory essay by Barry Schwabsky, art critic for The Nation and regular contributor to Artforum.
Key Selling Points - The market has been clamouring for the next in the Vitamin P series, which has sold many thousands of copies worldwide in hardcover and paperback - More than 400 illustrations showcase the work of over 100 international artists who have been nominated by highly respected curators, critics, and cultural taste-makers from around the world -I ncisive texts by international critics, art historians, and writers represent a wide range of perspectives, with an introduction written by expert on contemporary painting critic Barry Schwabsky - Both an accessible introduction for all those with an interest in painting today and a reference book for the art world in general
